При споменаването на стила ар нуво в паметта се появяват причудливо извити линии, отсъствие на прави ъгли и причудливо преплитане на стъбла, листа, цветя и плодове, съживени от насекоми. Всичко това са характерни черти на флоралното движение на Арт Нуво, познато ни като Арт Нуво. Стилът се основава на отхвърлянето на традиционното церемониално изкуство и опит за внасяне на красотата на природата, новите форми и производствени технологии в ежедневието, превръщайки всеки предмет в произведение на изкуството. Основателите на стила прокламираха единството на човека и неговата среда, включително интериор, архитектура, изкуство.

Стилът на модерн, за разлика от други, е ясно ограничен от времевата рамка: края на 1880-те - 1914 година. Неговите отличителни черти са:

• гладки, причудливо извити линии (един от характерните удари на които се нарича "удар с камшик") и извити повърхности,
• заглушен, близък до естествените цветове: синьо, бяло, бежово, маслинено, сребристо сиво, бледо лилаво;
• слабо осветление, приглушено от цветни стъклени лампи и витражи;
• използването на естествени материали и техните комбинации: стъкло, камък, керамика, дърво, метал, тъкани;
• основната тема на декора е природата: пейзажи, растителни и флорални модели, насекоми и птици. 

В съвременната епоха символизмът получава специална роля. Всяка рисунка е не само изображение, но и мисълта на художника, изразена чрез символи, цветове и композиция. Изображенията на цветя и растения носят своя семантичен товар: орхидеята символизира великолепие, лукс и любов, папратът - мир и тишина, розата - красотата на живота, лилия - чистота и чистота, хортензия - скромност и искреност, ирис - светлина и надежда, клематис - нежност, бодил - смелост и твърдост. Пъпката, като символ на раждането на живота, се превръща в един от най-разпространените елементи на рисуването в Арт Нуво.

Често се среща образът на мак, обозначаващ прехода между сън и реалност, живот и смърт. Отделните цветя се предпочитат пред букетите, които са били толкова популярни през предишните векове. Има мода за продукти, които имитират цвете в чаша вода.

Орнаментът придобива специална популярност благодарение на доста разпознаваемия, но конвенционален образ на растенията. Стилизирани водни растения с тесни дълги стъбла и листа - лилии, водни лилии, тръстика - създават настроение на спокоен поток от живот. Кривите на контурите подчертават динамиката - растежа и движението на растенията. Фантастичните очертания на цветето, контрастиращи с линейността на листата и стъблата, подчертават тяхната красота и лукс - ириси, орхидеи, циклами, хризантеми, рози и др. Ирисът става емблема на Ар Нуво. Те често използват изображения на горски цветя - момина сълза, купавка, глухарчета, бодил, метличина, като се фокусират върху очарованието на простотата и ежедневието.

Стандартът на Арт Нуво е рисунка на Херман Обрист (1895), която изобразява циклама с богато извито стъбло. Характерният контур на завоя дори получи собственото си име - „ударът на камшика“ - и по-късно беше активно използван от художниците.

Флоралното движение на Арт Нуво, Арт Нуво, се формира във Франция, като Париж и Нанси стават негови основни центрове. Париж беше лидер в архитектурата, Нанси - в декоративно-приложните изкуства (особено в производството на мебели и стъкло). Според каноните на стила, изкуството трябва да обгражда човек винаги и навсякъде, всеки обект трябва да бъде уникален едновременно. Тези заповеди бяха последвани от майсторите на Ар Нуво, които положиха основата за разпространението на новия стил.

Един от тези майстори беше известният архитект Емил Гимар. Досега парижани и туристи се възхищават на изтънчеността и краткостта на дизайна на входовете на парижкото метро, ​​създадено по негови проекти. Той успя да придаде на металните конструкции формата на живи растения. Такива произведения, „анимирани“ от естествената форма, се наричат ​​органогенни.

Къщите, построени по проекти на Гимар в Париж и Шехтел в Русия, могат да служат като примери за архитектура в стил Ар Нуво. Международните парижки изложби, които се радваха на голяма популярност и авторитет, изиграха огромна роля за популяризирането на стила. Броят на посетителите на изложбите в Париж достигна 51 милиона души. Една от къщите на Гимар - хотел Беранже - става обект на международното изложение през 1898 г. в Париж.

А изложбеният павилион на Босна и Херцеговина през 1900 г. е проектиран от друг майстор на Ар Нуво - Алфонс Муха, чиито театрални плакати с женски фигури в течащи дрехи и флорални орнаменти се превръщат в канон на стила.

Целта на Арт Нуво е да създаде комфортна и красива среда за живот. Ето защо на мода е сложният дизайн на сгради в същия стил - от покрива до последния пирон. Архитектът проектира сградата отвътре навън, като първо оформя интериора и едва след това преминава към дизайна на фасадата на сградата, който често става асиметричен.

Архитектурата и интериорът са взаимосвързани и обединени от общ стилистичен израз. Една от характерните черти на сградите в стил Ар нуво са керамичните мозаечни панели. По този начин често се украсяват фризовете на къщи. Единният стил на интериорна декорация води до създаването на уникални ансамбли, включително тавани, лампи, стенни панели, мебели и паркет.

В някои случаи художниците, създавайки хармонична среда на живот, напълно развиват не само интериора, но дори и домашните дрехи на собствениците. На тази вълна се появяват водещи фигури, които са били подвластни на всичко: от катедралата Саграда Фамилия до украшението на пейката, от двореца до затвора в него .

Мебелите от този период се характеризират с голям брой различни платформи - рафтове, маси и какво - за поставяне на декоративни елементи. Но модернът намери своя максимален израз в декоративното и приложното изкуство. Идеята за растеж и развитие - ключова във философията на Арт Нуво - прави растенията най-удобният и изразителен мотив за декорация. Арт Нуво не се стреми към триизмерно изображение, като предпочита причудливи плоски шарки, което се улеснява от приетата конвенционалност на изобразяването на растения.

Стъклото се превръща в един от най-популярните декоративни елементи. В тази област френският Емил Гале и американецът Луис Комфорт Тифани успяха и станаха известни. Техниката на витражите на Тифани е придобила особена популярност. Технологията на свързване на парчета цветно стъкло с медно фолио даде възможност да се създадат ярки, изящни продукти. Уникалните произведения на Лалик и Фаберже оставят незаличима следа в бижутерското изкуство от този период. Великденските яйца на Фаберже „Детелина“ и „Момина сълза“, които неизменно радват публиката, са ярък пример за флоралната тенденция на Арт Нуво. Цялата повърхност на яйцето от детелина е непрекъснат украшение от листа на детелина.

Емил Хале (1846-1904) беше в челните редици на Ар Нуво. Той допълва професионалното образование на дизайнера с дълбоки познания по философията и поезията на символизма, ботаниката и биологията. По-късно това знание ще бъде въплътено в неговите произведения с подробности за образа на растенията и философско разбиране за природата. Познаването на поезията на символизма ще му позволи не само да усети фино, но и да вплете линиите на любимите си поети - К. Бодлер, С. Маларме, П. Верлен, Ф. Вийон - в своите продукти, които му донесли славата като автор на „говореща чаша“.

Галле беше доведен до върха на славата си от вазите му от ламинирано стъкло. На Международното изложение в Париж през 1898 г. неговите творби са наградени със златния медал на изложбата, а авторът им е награден с Орден на Почетния легион.

В рисунките и орнаментите на неговите творби често има изображения на чадър, диви орхидеи, левкой, вятър, листа от офика и касис, както и ориенталски мотиви с борови клони и шишарки, сакура, птици и риби.

Във вазите Galle има от 2 до 5 слоя цветно стъкло (обикновено три), създаващи различни нюанси. Многослойният детайл е гравиран, в резултат на което се появява обемен полупрозрачен модел, като на камеи, който е усъвършенстван с гравиране. Тази техника "камео стъкло", която направи Хале известен, е разработена от древната китайска технология на ламинирано резбовано стъкло. Вазите Galle винаги са тежки, с полиран диск отдолу, което ви позволява да видите многопластовата структура на продукта. Произведенията на Галле са пълни с романтични пейзажи и орнаменти от цветя, плодове, билки и насекоми, създавайки заедно уникален модел, в който авторският подпис е органично вплетен.

Original text

Contribute a better translation

---

Към 1900 г. Емил Хале достига върха на славата си. Нито една уважаваща себе си къща, независимо от нивото на богатството, не можеше да се справи без неговите продукти. Хале разделя продуктите на своята фабрика в три категории: серийни, произведени в промишлено обращение, дребни или „полулуксозни“ (полубогати), както се нарича, произведени на малки партиди, и ексклузивни (Pieces uniques - уникални продукти) или „луксозни“, направени от него самия от самия Гале в един екземпляр, като ваза с дракон. 

Първата румънска кралица Елизабет беше фен и покровителка на Галле, която откри клон на своята фабрика в Румъния. Уникални вази, дарени от автора лично (като Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) положиха основата на колекцията на румънската кралска къща.

Отлична колекция от творби на Галле се съхранява в сградата на Генералния щаб на Ермитажа в Санкт Петербург. Николай II и Александра Феодоровна също са очаровани от работата на Хале през 1896-1900. Камарите на императрицата бяха украсени с негови изделия. Известно е, че тя специално е избрала бюрото си, за да постави на него ваза с клематис, а на Николай II бяха подарени двойки вази с розови орхидеи като подарък от Лотарингия. Някои от продуктите на Galle, по заповед на Александра Федоровна, бяха поставени в сребро от Faberge.

Вазите Galle, изложени на Световното изложение в Париж през 1900 г., са придобити от барон А.Л. Stieglitz, чиято колекция след революцията умножи съкровищата на Ермитажа.

Електричеството, новост в края на XIX век, даде тласък на новата работа на Хале - първите стъклени абажури и държачи за лампи. Изработени в техниката на маркетри или камея, осветени отвътре и даващи слаба светлина, те нашумяха на пазара. Много модели настолни лампи бяха създадени от Хале в сътрудничество с Луис Мажорел, който направи художествени рамки за стъкло.

През 1901 г. по инициатива на Хале е създаден Алиансът на провинциалната индустрия на изкуствата, който обединява малки местни работилници, произвеждащи декоративно-приложни изкуства и дава тласък на развитието на арт индустрията в целия регион.

По-късно Алиансът е наречен Нансийското училище (L'Ecole de Nancy), след името на художествената школа по дизайн, създадена в Алианса и съществуваща повече от 10 години. С течение на времето името „Училище от Нанси“ се свързва с центъра на производството на артикулирани продукти в стил Ар Нуво. Емблемата на училището е кръстът и бодилът на Лотарингия, символизиращи издръжливостта.

Огромното разнообразие от произведения на изкуството от висок клас, произведени от членовете на Алианса, спечелиха славата на училището на международни изложби и обществено признание в Германия, Великобритания, Белгия, Италия, Америка и Русия.

Успехът на Хале беше заразен. Неговият пример беше последван от братята Дом, членове на Алианса, чиято стъкларска фабрика Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy ”все още процъфтява. От 1889 г. те започват индустриалното производство на вази с растителен дизайн. Техните продукти се отличават с по-натуралистичен образ. Списъкът на методите за обработка беше практически същият като този на Хале, масовото производство липсваше само изтънчеността на нюансите и преливането на цветове. Стъклените вази и лампи Cameo бяха най-популярни от продуктовата им гама.

След като постигна популярност с помощта на камео стъкло, Гале не можеше да остане настрана от създаването на мебели. Поради сложността на обработката, той е създаден само като уникален или "полулуксозен", според градацията на самия Галле. Мебелите бяха изработени от розово дърво, дъб, клен, орех, плодови видове - ябълка, круша. Майсторът отдал предпочитание на местните дървесни видове, растящи в Лотарингия. Релефна инкрустация с различни видове дървесина и задължителната ръчна обработка на детайли отличават неговите продукти. За декорация Galle използва естествени мотиви, пеперуди и водни кончета. Според него „Декорът на съвременните мебели, тясно свързан с природата, не може да остане нечувствителен към благородството на естествените форми“.

В допълнение към инкрустациите в творбите му се появяват и много издълбани елементи. Формата често става асиметрична и за първи път краката на предметите приемат формата на водни кончета или жабешки крака или са украсени с флорални орнаменти.

1909 г. е последната година, в която творби на членове на училището в Нанси са изложени заедно. Арт Нуво със своите изтънчени и скъпи парчета, които търсят изключителност, отстъпи място на по-икономически изгоден стил в стил Арт Деко с масово производство на евтини произведения на изкуството.

През 1964 г. е открит Музеят на училището в Нанси. Повечето от експонатите на музея са примери за уникални мебели, витражи и стъкла в стил Ар нуво. Градината на музея е украсена с дъбова врата към работилницата в Галле, направена през 1897 г. от майстора на кабинета Юджийн Вален. Тя е украсена с издълбани кестенови листа и мотото на Емил Гале „Моите корени са дълбоко в гората“, което отразява цялата му работа.

В края на 90-те години училището възобновява своето съществуване и 1999 г. е обявена за годината на училището в Нанси. През 2013 г. в Големия дворец на музей-резерват „Царицино“ изложбата „Емил Гале. Стъклена рапсодия “, където можеше да се запознае с работата на Галле.

С течение на времето флоралната тенденция на модерн, носеща идеи за обновяване и красота в ежедневието, започва да се свързва с ар нуво като цяло. Стилизираният образ на цветя и причудливо извити линии всеки път ни връщат в ерата на Сребърната ера, давайки ни радостта от общуването с природата и изкуството.